HIMARI: THE DEBUT ALBUM - Recorded live with the Berliner Philharmoniker

HIMARI: THE DEBUT ALBUM - Recorded live with the Berliner Philharmoniker

One of the youngest violinists to perform with the orchestra since Yehudi Menuhin

Decca Classics present the debut album from violinist Himari, available now. Her first full-length recording since signing exclusively to the label in 2025, the album centres on Henryk Wieniawski's Violin Concerto No. 1, recorded live with the Berliner Philharmoniker and Sebastian Weigle at the Philharmonie in Berlin during her debut performances with the orchestra in March 2025.

The recording marks Decca Classics' first new recording project with the Berliner Philharmoniker since Sir Georg Solti 30 years ago. It brings together music that has shaped Himari's musical journey and reflects the repertoire she feels most deeply connected to.

"For my first album, I wanted to choose music I truly love and feel deeply connected to, not just pieces that are famous," says Himari. "I hope this album reflects both my love for the violin and my curiosity about music and expression."

The concerto has played an important role throughout Himari's musical life under the expert and inspirational tutelage of Ida Kavafian at Philadelphia's Curtis Institute. Himari chose the work for a performance with the New Japan Philharmonic in 2023.

At just 13 years old, she made her debut with the orchestra at the Philharmonie in Berlin, the youngest violinist to perform with the orchestra since Sarah Chang in 1994 and Yehudi Menuhin in 1929. That performance, recorded live with conductor Sebastian Weigle, forms the centrepiece of this album.

"That concert remains one of the most memorable moments of my musical life so far," says Himari. "The energy of a live performance is very special, and I felt incredibly honoured to perform with such an extraordinary orchestra. From the very first rehearsal, I was inspired by the richness of their sound and by how naturally they listened and responded."

For Himari, the concerto is more than a career milestone: "I feel deeply connected to this concerto," she says. "As with all the works on this album, it's music that is often very virtuosic and romantic, but which for me is also very personal and expressive."

Alongside Wieniawski's Violin Concerto No. 1, the album includes his Fantasia on Themes from Gounod's Faust, one of the great virtuoso works of the violin repertoire. The programme also includes works by Chopin in transcriptions by Jascha Heifetz and Nathan Milstein, alongside Leopold Godowsky's Alt Wien and Sibelius's Mazurka from Five Pieces for Violin and Piano.

Himari recorded the recital repertoire with pianist Chelsea Wang. Together, the live concerto recording and the recital performances reflect the range of music she wanted to include on her first album.

"This is what I enjoy," says Himari. "To explore the finest details of phrasing and sound, while expressing myself freely."

Dominic Fyfe, A&R Director of Decca Classics, writes: "A debut album is always cause for celebration and none more so than this from Himari. Her debut with the Berlin Philharmonic aged 13 was the kind of historic moment great live recordings are all about: an unrepeatable event captured for posterity. Decca Classics also celebrates its first recording with the Berlin Philharmonic since Sir Georg Solti in 1996, a recording which marked his 50th anniversary as an exclusive artist with the label".

Himari has already appeared with orchestras including the Berliner Philharmoniker, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony Orchestra, London Philharmonic Orchestra, Pittsburgh Symphony Orchestra and Orchestre de la Suisse Romande.

Before her fourteenth birthday, she had signed with Decca Classics, made her debut with the Berliner Philharmoniker and begun recording for the label.

While her international profile continues to grow, Himari has already built a remarkable following in Japan, where her performances have attracted millions of online views and widespread media attention, while a recent NHK documentary charting her musical development introduced her story to a national television audience.

This recording was made possible by the generous support of Mr Kunio Yamada, ROHTO Pharmaceutical Japan.

DECCA RECORDS US & DEUTSCHE GRAMMOPHON RELEASE JOHN WILLIAMS LEGACY CELEBRATING THE ENDURING MUSICAL ARTISTRY OF JOHN WILLIAMS

DECCA RECORDS US & DEUTSCHE GRAMMOPHON RELEASE JOHN WILLIAMS LEGACY CELEBRATING THE ENDURING MUSICAL ARTISTRY OF JOHN WILLIAMS

Decca Records US and Deutsche Grammophon released their collaborative album, John Williams Legacy, on vinyl, CD, and digitally. Celebrating one of the most influential and celebrated composers in film history, John Williams Legacy, brings together landmark recordings from across Williams’ distinguished catalog. The collection features the composer conducting music from his legendary film career with some of the world’s finest orchestras. Order John Williams Legacy here.

Featuring the Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, and the Recording Arts Orchestra of Los Angeles, John Williams Legacy includes selections from some of Williams’ most beloved scores, including Star Wars, Harry Potter, Jurassic Park, Indiana Jones, E.T., and more.

Available physically as a 2LP Deluxe Gold Vinyl Edition and on CD (Digipak), John Williams Legacy features insightful liner notes from acclaimed film music historian Jon Burlingame, who explores the remarkable legacy of Williams and the enduring impact of his music.

TRACKLIST 01. Main Title from “Star Wars: A New Hope” 02. Hedwig’s Theme from “Harry Potter and the Philosopher’s Stone” 03. Raiders March from “Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark” 04. Flying Theme from “E.T. the Extra-Terrestrial” 05. Theme from “Jurassic Park” 06. Superman March 07. Theme from “Schindler’s List” 08. Olympic Fanfare and Theme 09. Excerpts from “Close Encounters of the Third Kind” 10. Harry’s Wondrous World from “Harry Potter and the Philosopher’s Stone” 11. Yoda’s Theme from “Star Wars: The Empire Strikes Back” 12. The Imperial March from “Star Wars: The Empire Strikes Back” 13. The Flight to Neverland from “Hook” 14. Princess Leia’s Theme from “Star Wars: A New Hope” 15. Throne Room & Finale from “Star Wars: A New Hope”

Few artists have shaped the sound of modern cinema more profoundly than John Williams. Creating some of the most iconic and instantly recognizable themes ever written, Williams’ music helped shape generations of filmgoers while redefining the role of orchestral music in popular culture. From his groundbreaking collaborations with Steven Spielberg and George Lucas to his leadership of the Boston Pops and appearances with many of the world's most prestigious orchestras, his legacy extends far beyond the screen. His music not only helped revive public enthusiasm for symphonic film scores, but also established a lasting bridge between Hollywood and the concert hall. John Williams has secured his reputation as one of the defining musical voices of our time.

Aymée Nuviola profundiza su conexión con el jazz internacional desde Ronnie Scott’s

 

Aymée Nuviola profundiza su conexión con el jazz internacional desde Ronnie Scott’s

La ganadora del GRAMMY® y Latin GRAMMY® presenta un nuevo capítulo de su trayectoria junto al pianista cubano Kemuel Roig

Miami, FL —  2026. — Después de una trayectoria marcada por la defensa de la música cubana y su permanente diálogo con la música latina y el jazz, Aymée Nuviola abre un nuevo capítulo artístico con Aymée Nuviola Feat. Kemuel Roig – Live at Ronnie Scott’s Jazz Club, un álbum en vivo que captura el encuentro de dos generaciones de músicos cubanos en uno de los escenarios más emblemáticos del jazz mundial.

Disponible desde el 28 de agosto de 2026, el proyecto reúne a Aymée Nuviola con el pianista y compositor cubano Kemuel Roig en una actuación que pone en primer plano la espontaneidad, la improvisación y la riqueza rítmica de la música cubana.

Más que registrar un concierto, Live at Ronnie Scott’s Jazz Club representa la continuidad de una evolución artística que ha llevado a Aymée Nuviola desde las raíces del son, la timba, el filin y el bolero hasta los grandes escenarios internacionales del jazz y la música latina.

De la tradición cubana al escenario global

Aymée Nuviola ha construido una trayectoria alrededor de una premisa constante: la música cubana puede conservar su identidad y, al mismo tiempo, dialogar con diferentes lenguajes musicales.

Ese recorrido le ha permitido desarrollar una carrera que trasciende las fronteras de la salsa y la música tropical. Su trayectoria incluye un GRAMMY®, múltiples Latin GRAMMY®, nominaciones de la Academia de la Grabación y colaboraciones con destacados exponentes de la música cubana y el jazz latino.

Uno de los capítulos más significativos de esta evolución fue su trabajo junto al pianista y compositor Gonzalo Rubalcaba, con quien compartió el proyecto Viento y Tiempo – Live at Blue Note Tokyo, nominado al GRAMMY® en la categoría de Latin Jazz.

La experiencia de presentarse en escenarios internacionales vinculados al jazz encuentra ahora una nueva expresión en Londres.

Ronnie Scott’s: un nuevo escenario para la música cubana

Fundado en 1959, Ronnie Scott’s Jazz Club forma parte de la historia internacional del jazz y se ha convertido en un punto de encuentro para generaciones de músicos de distintas tradiciones.

Para Aymée Nuviola, llevar allí la música cubana representa un diálogo entre dos patrimonios musicales: la tradición afrocubana y la cultura del jazz.

“La música cubana tiene una conversación permanente con el jazz. El ritmo, la armonía, la improvisación y la manera de sentir la música nos unen”, expresa Aymée Nuviola al hablar de este nuevo proyecto.

En compañía de Kemuel Roig, esa conversación adquiere una dimensión particular. El piano se convierte en un elemento central para explorar las posibilidades armónicas de canciones conocidas y, al mismo tiempo, permitir que la interpretación conserve el carácter espontáneo propio de una presentación en vivo.

Aymée Nuviola y Kemuel Roig: dos generaciones, una misma raíz

La colaboración entre Nuviola y Roig también representa un encuentro generacional dentro de la música cubana.

Nuviola aporta décadas de experiencia como intérprete, pianista y compositora, mientras Roig representa una generación de músicos cubanos formados en una tradición que incorpora el legado de la música popular cubana, el jazz y la música académica.

El resultado es un repertorio donde conviven son, salsa, bolero, timba y jazz latino, sin necesidad de establecer fronteras rígidas entre los géneros.

Esta libertad constituye uno de los elementos esenciales del proyecto: la música cubana como lenguaje vivo y en constante transformación.

Una carrera que continúa evolucionando

El nuevo álbum se incorpora a una trayectoria que ha llevado a Nuviola a escenarios de Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina, además de convertirla en una de las voces cubanas contemporáneas con mayor reconocimiento dentro de la industria musical internacional.

Su carrera también se ha extendido al ámbito audiovisual. Interpretó a Celia Cruz en la serie biográfica Celia, acercando la historia de una de las figuras más importantes de la música latina a nuevas audiencias.

Ahora, con Live at Ronnie Scott’s Jazz Club, la artista vuelve a poner la música cubana en el centro de una conversación internacional.

No se trata solamente de mirar hacia la tradición, sino de demostrar que esa tradición continúa teniendo nuevas posibilidades.

Desde Londres, Aymée Nuviola y Kemuel Roig presentan un proyecto que conecta generaciones, territorios y lenguajes musicales, reafirmando la capacidad de la música cubana para continuar viajando y transformándose en los escenarios del mundo.

Aymée Nuviola Feat. Kemuel Roig – Live at Ronnie Scott’s Jazz Club está disponible en plataformas digitales.

HUMBERTO RAMÍREZ CELEBRA EL LEGADO DE DON TITE CURET ALONSO

              HUMBERTO RAMÍREZ 

       CELEBRA EL LEGADO DE

DON TITE CURET ALONSO

 

MICHELLE BRAVA, WILLITO OTERO Y JOSEAN ORTIZ

SON LOS INVITADOS ESPECIALES

(2 de septiembre de 2026, San Juan, Puerto Rico) – El trompetista, compositor, arreglista, productor y director musical boricua Humberto Ramírez celebrará la vida del prolífero compositor puertorriqueño Don Tite Curet Alonso con un gran concierto. 

El concierto se titula “Canciones de Tite Curet Alonso, 100 Años de Catalino” y es una celebración de la obra de este extraordinario compositor y el centenario de su natalicio. La cita para el banquete musical será el domingo 1 de noviembre a las 5 p.m. en la Sala René Marqués del Centro de Bellas Artes.  

Parte del repertorio que interpretará junto a su Big Band son temas incluidos en su reciente álbum titulado Catalino – Canciones de Tite Curet Alonso, que constituye el disco número 38 en su carrera como solista en el jazz.  

Michelle Brava y Willito Otero interpretarán un escogido de sus éxitos entre los que se encuentran: Pirata De La Mar, Puro Teatro, Las Caras Lindas, Tiemblas, y Anacaona. El actor y productor Josean Ortiz tendrá una participación especial interpretando a Tite. 

Los boletos ya están a la venta en Ticketera, Ticketcenter y Bellas Artes. Para 

más información, pueden seguirlo en sus redes sociales como @humbertoramirez 

Video Compendio Trayectoria Humberto Ramírez 

PRO ARTE MUSICAL PRESENTA SU TEMPORADA 2026-2027 EN CELEBRACIÓN DE SU 95 ANIVERSARIO

PRO ARTE MUSICAL PRESENTA SU TEMPORADA 2026-2027 EN CELEBRACIÓN DE SU 95 ANIVERSARIO

La institución celebra su trayectoria con una cartelera dedicada al legado de don Pablo Casals y a su contribución al desarrollo cultural del país.

San Juan, Puerto Rico | 25 de agosto de 2026 – Pro Arte Musical presenta su Temporada de Conciertos 2026-2027, una programación que celebrará los 95 años de trayectoria de la institución y rendirá homenaje al célebre violonchelista don Pablo Casals, con motivo del 150.º aniversario de su natalicio. Cada concierto destacará la trayectoria de Pro Arte Musical y la influencia artística de Casals, dos legados estrechamente vinculados al desarrollo cultural de Puerto Rico.

“Celebrar 95 años constituye un hito extraordinario para Pro Arte Musical. Al diseñar esta temporada, quisimos reconocer la visión de don Pablo Casals y su contribución al desarrollo musical del país. A la vez, reafirmamos nuestra misión de brindar al público experiencias que enlacen nuestra tradición musical con las nuevas generaciones y con formas de creación artística en las que aún resuena la influencia del maestro”, expresó Karen E. Schneck Malaret, directora ejecutiva de Pro Arte Musical.

Bajo el lema “El legado de don Pablo Casals… Nuestras estrellas en el firmamento”, la cartelera de aniversario reunirá a figuras consagradas, talentos emergentes, artistas puertorriqueños de proyección internacional e invitados de talla mundial. Las propuestas abarcan la música puertorriqueña, el repertorio vocal, la música de cámara y la creación multimedia contemporánea.

Una temporada de celebración

La propuesta artística de la Temporada 2026-2027 comenzará el 27 de septiembre de 2026 con Tres mujeres, tres estrellas… del cuatro puertorriqueño, protagonizado por las cuatristas Emma Colón Zayas, Maribel Delgado y Fabiola Méndez. La cartelera continuará el 8 de noviembre de 2026 con Puertorriqueñísima, un recital dedicado a las compositoras de la historia musical puertorriqueña, a cargo de la pianista Daniela Santos y la soprano Tatiana Irizarry. 

El 28 de febrero de 2027, subirá a escena el ensamble de cámara Harlem Quartet, que cuenta entre sus integrantes al destacado violista puertorriqueño, Jaime Amador. El concierto de la Serie Nuevos Virtuosos presentará a la mezzosoprano puertorriqueña Aurora Navarro, ganadora del Premio Roberto Ferdman 2026; su fecha y lugar se anunciarán próximamente.

El 4 de abril de 2027 subirá a escena el “legado vivo” de don Pablo Casals, presentado por la Orquesta de Cámara de Egresados del Conservatorio de Música de Puerto Rico. 

Finalmente, la temporada concluirá con el evento cumbre, la celebración oficial de los 95 años de Pro Arte Musical, el 2 de mayo de 2027 con Entreformas, una experiencia multimedia vanguardista concebida por la destacada compositora Angélica Negrón, junto a la artista Lido Pimienta y a músicos de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.

“Con esta programación celebramos la trayectoria que nos sostiene y, al mismo tiempo, abrimos espacio a la innovación y a las voces y expresiones emergentes que hoy enriquecen nuestro panorama musical, nuestras “estrellas en el firmamento”. Cada concierto será una oportunidad para reconocer la huella de Pro Arte Musical y de don Pablo Casals, fomentar la difusión de la música clásica y contemporánea, y cultivar el aprecio por la excelencia musical entre el público desde diversas perspectivas”, añadió Myrna Rivera Cardona, presidenta de la Junta de Directores de Pro Arte Musical.

Para más información sobre los conciertos de la Temporada 2026-2027 y las membresías disponibles, puede comunicarse con Pro Arte Musical al (787) 722-3366 o escribir a proarte@proartemusical.com. La programación está sujeta a cambios. Los boletos estarán disponibles para la venta en Ticketera, TicketCenter y en la boletería del Centro de Bellas Artes.

Sobre Pro Arte Musical: 

Fundada en 1932, Pro Arte Musical es la organización cultural sin fines de lucro de mayor antigüedad dedicada a la promoción y difusión de la música clásica en Puerto Rico. Durante 95 años, ha enriquecido la vida cultural del país mediante la presentación de destacados artistas locales e internacionales, al tiempo que fomenta el desarrollo de nuevas generaciones a través de becas y programas educativos. Conozca más en: www.proartemusical.com.

Pirou presenta «How High the Moon», su álbum debut de jazz desde una mirada dominicana

Pirou presenta «How High the Moon», su álbum debut de jazz desde una mirada dominicana

La cantante, actriz y artista de voz dominicana reinterpreta clásicos del jazz con una sensibilidad contemporánea, fusionando música latina, R&B y tradición vocal.

Santo Domingo, República Dominicana · 17 de agosto de 2026 — La cantautora, actriz y artista dominicana Pirou presenta oficialmente «How High the Moon», su álbum debut: una reinterpretación elegante y moderna de clásicos del jazz que reafirma su compromiso con preservar esta tradición desde una perspectiva inconfundiblemente dominicana. El proyecto ya está disponible en todas las plataformas digitales de streaming.

Miembro de la Latin Recording Academy y de ASCAP, Pirou desarrolló su formación musical a través de estudios de teatro musical con Nuryn Sanlley, canto clásico con Nadia Nicola y un campamento de canto contemporáneo del Berklee College of Music bajo la dirección de Darcell Wilson.

Su preparación actoral incluye estudios con María Castillo e Iván García Guerra, además de especialización en caracterización vocal, artes dramáticas y actuación para cine y televisión. Ha participado en las producciones «La Cuarta Mariposa» y «Cinderello», así como en numerosas campañas comerciales, y actualmente se desempeña como la voz institucional de Altice.

Su proyección en el cine regional creció de forma significativa en 2025, cuando su canción «Cerca del Sol», creada junto al productor y compositor Roy Tavaré, fue seleccionada por la actriz y cineasta Roselyn Sánchez como la pieza que cierra su película «Diario, Mujer y Café». Tras su estreno en Puerto Rico, la película continúa llegando a nuevas audiencias a través de la televisión.

Como cantante, Pirou se ha consolidado como una voz reconocida en la escena del jazz dominicano, presentándose en el Santo Domingo Jazz Festival y en Casa de Teatro, incluyendo los ciclos «Las Divas del Jazz» y «All That Jazz». Ha compartido escenario con músicos como Giovanni Hidalgo, Luis «Perico» Ortiz, Sandy Gabriel y Gustavo Rodríguez, y ha colaborado con artistas como Tony Vega, Tito Nieves, Jorge Laboy y Ricky Strings, además del productor Chris Hierro.

«How High the Moon» reúne nuevas lecturas de clásicos del repertorio jazzístico atravesadas por la música latina, el R&B y la tradición vocal, en un debut que asume el canon con acento propio.

Humanidades Puerto Rico inaugura la serie Conversaciones en Jazz con un concierto que une música, conversación y aprendizaje

Humanidades Puerto Rico inaugura la serie Conversaciones en Jazz con un concierto que une música, conversación y aprendizaje

El encuentro –libre de costo– se celebrará el jueves 27 de agosto en su sede en el Cuartel de Ballajá y propone un acercamiento al jazz como lenguaje, memoria y campo de conocimiento. 

Humanidades Puerto Rico presentará el jueves, 27 de agosto de 2026, el concierto inaugural de Conversaciones en Jazz, una nueva serie que combina música en vivo y diálogos para acercar al público a las ideas, historias y decisiones musicales que forman parte del jazz. La actividad se llevará a cabo a las 7:00 p. m. en la sede de Humanidades Puerto Rico, en el tercer piso del Cuartel de Ballajá, en el Viejo San Juan. La entrada es libre de costo, pero se requiere registro previo.

A diferencia de un concierto convencional, cada encuentro tendrá un carácter didáctico: quienes integran el conjunto explicarán el repertorio que interpretan y conversarán sobre sus historias, sus decisiones musicales y la manera en que dialogan mientras tocan. El objetivo es ofrecer puntos de referencia que nos ayuden a escuchar la música con mayor atención y a reconocer el conocimiento que se produce al tocar e improvisar en conjunto.

El primer concierto contará con un trío integrado por los maestros músicos Gabriel Rodríguez, en el bajo; Richard Peña, en la guitarra; y dirigido por el baterista, compositor y educador Fidel Morales, quien también es el organizador de la serie. Desde esa experiencia musical y pedagógica, el programa propone reconocer el jazz como una práctica viva: una tradición que se transforma en cada interpretación y que ha encontrado en Puerto Rico y el Caribe formas propias de diálogo con nuestra historia sonora.

Luego del concierto inaugural, la serie continuará el 24 de septiembre con el Nayeli Selene Quartet; el 22 de octubre con el Emily Campos Quartet; y cerrará el 18 de noviembre con el Fidel Morales Quartet. Además de ser parte de la programación especial que celebra su 50.º aniversario, con esta iniciativa Humanidades Puerto Rico busca ampliar los espacios de encuentro entre artistas, público y saberes musicales y comenzar a preparar el camino hacia la celebración del Día Internacional del Jazz, que se conmemora cada 30 de abril. Proclamada por la UNESCO, esta fecha reconoce el jazz por su capacidad para fomentar el diálogo intercultural, la libertad de expresión, el respeto a la diversidad y la cooperación entre los pueblos.

La serie forma parte del trabajo de Humanidades Puerto Rico para apoyar la creación, la investigación y la conversación cultural en el país. Este respaldo permite examinar el género desde su complejidad histórica y social, fortalecer las condiciones en que se crea y se presenta y abrir nuevos espacios de encuentro entre la comunidad musical y el público.

La actividad es libre de costo. Las personas interesadas en asistir pueden registrarse en: givebutter.com/conversaciones-en-jazz-1. Los espacios son limitados.

Para más información, puede visitar las redes sociales de la organización en @humanidadespr.

Mambo Legends Orchestra reafirma la vigencia de un legado musical con "No Hay Que Hablar 'NUFF SAID! Disponible el 2 de octubre de 2026 a través de Truth Revolution Recording Collective (TRRc)

Mambo Legends Orchestra reafirma la vigencia de un legado musical con "No Hay Que Hablar 'NUFF SAID! Disponible el 2 de octubre de 2026 a través de Truth Revolution Recording Collective (TRRc)

Con la participación especial de Eddie Palmieri, Gilberto Santa Rosa, Tito Nieves, José Alberto, Tony Vega y Danny Rivera.

Durante más de medio siglo, la música de Machito, Tito Puente y Tito Rodríguez ha ocupado un lugar esencial en la identidad musical de la ciudad de Nueva York. El sonido que nació en el legendario Palladium Ballroom no solo definió una era, sino que también abrió el camino para generaciones de músicos de salsa y jazz latino alrededor del mundo. Aunque innumerables agrupaciones han encontrado inspiración en aquel período histórico, pocas pueden presumir de una conexión tan auténtica y directa con ese legado como la Mambo Legends Orchestra.

Con el lanzamiento de No Hay Que Hablar, disponible el 2 de octubre de 2026 a través del sello Truth Revolution Recording Collective (TRRc), la orquesta presenta su nueva producción musical, desde el trabajo nominado al Latin Grammy Watch Out! ¡Ten Cuidao! (2011). En este nuevo álbum, la agrupación reúne a músicos cuyas carreras han sido fundamentales en la preservación y evolución de la tradición del género.

Codirigida por el timbalero, arreglista y director musical José Madera, el saxofonista y flautista Mitch Frohman, y el legendario maestro del bongó John "Dandy" Rodríguez quien desafortunadamente ya no está con nosotros, pero dejó su talento grabado en este disco, la Mambo Legends Orchestra está integrada por artistas que durante décadas compartieron escenario con las orquestas de Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez. Más que una recreación del pasado, No Hay Que Hablar demuestra que esta música continúa evolucionando a través de los propios músicos que ayudaron a construir su historia.

El proyecto nació del deseo de reunir en una misma orquesta a muchos amigos y colaboradores de toda una vida, celebrando tanto el legado artístico de la generación del Palladium como a los músicos que mantienen vivo ese lenguaje musical en la actualidad. Lejos de ser una simple mirada nostálgica al pasado, No Hay Que Hablar representa una visión hacia el futuro: una reunión de expertos cuya trayectoria colectiva forma parte de la historia del Mambo. 

El título del álbum, No Hay Que Hablar (‘Nuff Said!), refleja precisamente esa experiencia compartida y la profunda conexión entre los músicos que forman parte de esta grabación. Como explica Mitch Frohman:

"Realmente significa que somos los verdaderos representantes de esta tradición. Somos los músicos que tocaron con Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez. No existe comparación con la experiencia que hemos acumulado al compartir el escenario con estos grandes maestros durante muchas, muchas décadas. No hay más que decir."

Uno de los elementos principales de la producción es la visión y orquestación musical de José Madera. A lo largo de su carrera de más de seis décadas, Madera fue integrante y músico de las orquestas de Machito y Tito Puente, compartiendo escenario con dos de los arquitectos fundamentales del sonido del mambo y sus grandes orquestas del Palladium. Su experiencia directa junto a estas figuras le ha permitido desarrollar un profundo dominio del lenguaje, una tradición que hoy continúa explorando y proyectando hacia el presente,

 La propia orquesta representa una extraordinaria concentración de talento y experiencia. El saxofonista alto Bobby Porcelli, el trompetista John Walsh, los trombonistas Sam Burtis y Jimmy Bosch, el bajista Gerardo “Jerry” Madera, el conguero George Delgado, el pianista Zaccai Curtis, entre muchos otros, aportan interpretaciones marcadas por décadas de trayectoria en la primera línea de la música afrocubana y el jazz latino.

Completan la agrupación los vocalistas Frankie Vázquez, Cita Rodríguez, Marco Bermúdez y Jorge Maldonado, quienes aportan una combinación única de elegancia, fuerza interpretativa y un profundo sentido del swing y la improvisación.

Una extraordinaria lista de invitados especiales engrandece aún más el alcance artístico de esta producción. El legendario pianista Eddie Palmieri ofrece un poderoso solo en “Sabroso Guaguancó”, acompañado por el cantante José Alberto “El Canario”, mientras que Gilberto Santa Rosa participa en dos temas: “La Rumbantela” y “Camagüey (Piñeiro Tenía Razón)”.

El reconocido intérprete Danny Rivera aporta una emotiva interpretación al bolero original de Mitch Frohman, “De Papi Con Amor (From Daddy With Love)”, una composición escrita como homenaje a sus tres hijas y arreglada por el maestro Ray Santos. Tony Vega participa en “Que Me Digan Feo”, Tito Nieves se une en “Empego Naroco”, y Frankie Vázquez protagoniza varios momentos destacados del álbum, incluyendo la reinterpretación de José Madera del clásico de George Gershwin, “I've Got a Crush on You”, transformado en un vibrante mambo para orquesta.

A lo largo de No Hay Que Hablar también sobresalen momentos instrumentales que muestran la extraordinaria versatilidad de sus integrantes. La flauta de Mitch Frohman toma protagonismo en el elegante cha-cha “Preludio En Ritmo”; el saxofón alto de Bobby Porcelli impulsa el clásico mambo “Abaniquito”; y el tema instrumental que cierra la producción, “The MLO Swing”, composición y arreglo original de José Madera, reúne todo el poderío de la orquesta con destacados solos de John Walsh (trompeta), Tokunori Kajiwara (trombón), Bobby Porcelli (saxofón alto) y Zaccai Curtis (piano).

A través de No Hay Que Hablar, cada arreglo refleja la filosofía central de la Mambo Legends Orchestra: preservar el sonido de la era del Palladium no significa congelarlo en el tiempo. La tradición permanece viva precisamente porque continúa transformándose. En lugar de simplemente recrear la historia, la orquesta la extiende, utilizando décadas de experiencia directa para seguir aportando nuevas páginas al futuro de la música afrocubana y las grandes orquestas de jazz latino.

Para la Mambo Legends Orchestra, realmente no hace falta explicar más. Después de generaciones compartiendo escenarios con algunos de los grandes arquitectos de esta música, No Hay Que Hablar cumple exactamente lo que promete su título: una declaración musical que demuestra que ciertas tradiciones permanecen vigentes porque las mismas personas que ayudaron a crearlas siguen aquí para contar su historia.

*Fotos por Martín Cohen

Listado det temas:

"Sabroso Guaguancó" (Con la participación de Eddie Palmieri, piano; José Alberto, voz)

"I've Got a Crush on You" (Con la participación de John Walsh, trompeta; Doug Beavers, trombon; Frankie Vázquez, voz)

"La Rumbantela" (Con la participación de Pete Nater, trompeta; Gilberto Santa Rosa, voz)

"Preludio en Ritmo" (Con la participación de Mitch Frohman, flauta; Marco Bermúdez, voz)

"Que Me Digan Feo" (Con la participación de Tony Vega, voz)

"Empego Naroco" (Con la participación de John Rodriguez, bongos; Tito Nieves, voz)

"De Papi Con Amor (From Daddy With Love)" (Con la participación de Mitch Frohman, saxofón tenor; Danny Rivera, voz)

"Camagüey (Piñeiro Tenía Razón)" (Con la participación de Richard Viruet, trompeta; Gilberto Santa Rosa, voz)

"El Trabajador" (Con la participación de Jimmy Bosch, trombón; Richard Viruet, trompeta; Frankie Vázquez, voz)

"Abaniquito" (Con la participación Bobby Porcelli, saxofón alto; Pete Nater, trompeta; José Madera, timbales; Frankie Vázquez, voz)

"The MLO Swing" (instrumental; Con la participación de John Walsh, trompeta; Tokunori Kajiwara, trombón; Bobby Porcelli, saxofón alto; Zaccai Curtis, piano)

Zayra Pola presenta “Te Bloqueé”, un nuevo sencillo sobre el poder de establecer límites

Zayra Pola presenta “Te Bloqueé”, un nuevo sencillo sobre el poder de establecer límites. 

El lanzamiento llega previo a la presentación de la artista puertorriqueña y su orquesta en el Lincoln Center de Nueva York.

San Juan, Puerto Rico — La artista de salsa, directora de orquesta y percusionista puertorriqueña Zayra Pola, conocida como “La Reina del Timbal”, presenta su nuevo sencillo, “Te Bloqueé”, disponible desde el 3 de agosto en todas las plataformas digitales.

Inspirada en una expresión ampliamente utilizada en la era digital, “Te Bloqueé” convierte el acto de bloquear en una metáfora sobre la importancia de establecer límites, dejar atrás aquello que no aporta bienestar y proteger la paz personal.

Con fuerza, picardía y una interpretación cargada de personalidad, Zayra Pola presenta una historia cercana y reconocible, llevándola al lenguaje de la salsa desde una perspectiva positiva y actual.

“Bloquear no siempre significa rechazar. A veces significa proteger aquello que más valor tiene: tu paz, tu energía y el futuro que estás construyendo. Quise escribir una canción sobre la importancia de poner límites y hacerlo utilizando un lenguaje que forma parte de nuestra realidad, sin perder la esencia de la salsa”, expresó Zayra Pola.

El lanzamiento coincide con una etapa importante en la carrera de la artista, quien viajará junto a su orquesta a Nueva York para presentarse el próximo 7 de agosto en el Lincoln Center, como parte del festival Summer for the City.

Reconocida por su energía escénica, su dominio de la percusión y su liderazgo al frente de su orquesta, Zayra Pola continúa desarrollando una propuesta basada en la música original, las historias actuales y el fortalecimiento de la presencia femenina dentro de la salsa.

Con “Te Bloqueé”, la artista reafirma su compromiso de conectar la tradición salsera con nuevas generaciones y experiencias universales.

SOBRE ZAYRA POLA

Zayra Pola es una artista de salsa, directora de orquesta y percusionista puertorriqueña, conocida como “La Reina del Timbal”. Su propuesta artística combina la tradición salsera con una visión contemporánea, destacándose por su energía sobre el escenario, su liderazgo musical y su compromiso con la creación de repertorio original. A través de su música, busca ampliar la presencia femenina dentro del género y acercar la salsa a nuevas audiencias sin perder su esencia.

CONTACTO DE PRENSA

Karolina Meireles

Management | Zayra Pola

Teléfono: 787-667-1772

Correo electrónico: bookings@zayrapola.com

Redes sociales: @zayrapola

Miguel Zenón lidera la iniciativa musical “Jazz en las escuelas”

 Miguel Zenón lidera la iniciativa musical “Jazz en las escuelas”

(22 de julio de 2026, San Juan, Puerto Rico) – El saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón lidera la iniciativa musical titulada “Jazz En Las Escuelas”.

“Jazz En Las Escuelas” es un concepto del propio Miguel, respaldado por la fundación Make Music Happen, y creado específicamente para enseñar Improvisación Musical a los estudiantes de las Escuelas Libre de Música de Puerto Rico. Zenón observó la necesidad de incluir esta importante faceta dentro del currículo de enseñanza actual para que el músico esté aún mejor preparado.

La improvisación musical es parte de múltiples géneros de música. Es ese llamado “solo” que observamos en la balada, balada pop, rock y muchos más. Si escuchamos los géneros autóctonos y distintivos de Puerto Rico (bomba, plena, música jíbara y hasta la salsa), improvisar es parte esencial de cada uno de ellos.

El jazz se basa casi en su totalidad en improvisación. Por eso, esta iniciativa que comienza con Miguel Zenón, y que también tendrá la participación de otros músicos virtuosos, lleva el título de “Jazz En Las Escuelas”. La fase inicial comenzará este mes de septiembre en la Escuela Libre de Música Ernesto Ramos Antonini de Hato Rey con el plan de expandir a otras Escuelas Libre de Música del país en el futuro.

“Soy egresado precisamente de la Escuela Libre de Música Ernesto Ramos Antonini en Hato Rey. Regresar a mi escuela, para aportar a la educación de las nuevas generaciones de músicos, representa un honor y un privilegio para mí”, expresa Miguel Zenón, quien ha sido recipiente de las prestigiosas becas MacArthur y Guggenheim.

Se organizarán cuatro visitas por semestre, cada una enfocada en un elemento esencial en el estudio de la improvisación. Al final del año escolar se presentará un concierto, donde los estudiantes involucrados en el programa tendrán la oportunidad de demostrar lo aprendido y compartirlo con la comunidad escolar. 

Las visitas estarán dirigidas por jazzistas profesionales puertorriqueños y coordinadas por el saxofonista y educador Miguel Zenón, multi nominado y ganador de Latin Grammy y Grammy. El programa será absolutamente gratuito para los estudiantes. Para más información, pueden seguir las cuentas de @miguelzenonmusic @makemusichappenpr.

La Fundación Nacional para la Cultura Popular celebra 30 años junto a la prestigiosa Spanish Harlem Orchestra Invitados Especiales: Hermán Olivera y Miguel Zenón

La Fundación Nacional para la Cultura Popular celebra 30 años junto a la prestigiosa Spanish Harlem Orchestra

Invitados Especiales: Hermán Olivera y Miguel Zenón

20 de julio de 2026, San Juan, Puerto Rico - La Fundación Nacional para la Cultura Popular (FNCP) celebrará 30 años de labor cultural ininterrumpida con una Gala - Concierto que contará con la participación de la legendaria Spanish Harlem Orchestra (SHO). Como invitados especiales de esta doble celebración estarán el sonero Hermán Olivera y el virtuoso saxofonista Miguel Zenón.

El sábado 1 de agosto a las 8 pm en la Sala René Marqués del Centro de Bellas Artes de Santurce se llevará a cabo el concierto titulado 30/25: De la Salsa al Jazz. Y ese título se debe a que ambas instituciones están de aniversario. La FNCP cumple 30 y SHO cumple 25. ¡Qué mejor que juntarse para celebrar junto al público ambas trayectorias repletas de éxitos!

En el caso de la Fundación, logros como Atardecer Navideño con Danny Rivera, las Mejores 20 Producciones del Año, el catálogo digital de Biografías de personalidades y artistas puertorriqueños, grabaciones de discos que lograron nominaciones al Latin Grammy, series de conciertos como A Las Puertas del Ocho Puertas, son algunas de sus logros más significativos.

Por su parte, la Spanish Harlem Orchestra, que hace varios años no se presenta en Puerto Rico, ha obtenido 5 Premios Grammy y un Latin American Billboard, por solo mencionar algunos. Dirigida por el Maestro Oscar Hernández, esta orquesta ha viajado el mundo presentándose en los más prestigiosos escenarios, llevando la salsa y el jazz a su máxima expresión. El repertorio esa noche estará repleto de éxitos como “Escucha el Ritmo”, “Llegó el Caballero”, “Across 110th Street”, “Bailadores”, “La Música Latina”, “Mama Güela”, y “Así Se Vive”, entre muchos otros.

Los boletos para esta maravillosa velada ya están a la venta en Ticket Center y Bellas Artes. Para más detalles, pueden seguirla en sus redes sociales @fncppr y @shorchestra.

 

La ORQUESTA SINFÓNICA DE PUERTO RICO INICIA la temporada pops con el trombonista y compositor William Cepeda de invitado

La ORQUESTA SINFÓNICA DE PUERTO RICO INICIA la temporada pops con el trombonista y compositor William Cepeda de invitado

(15 de julio de 2026, San Juan, Puerto Rico) – La Orquesta Sinfónica de Puerto Rico (OSPR) inicia su Temporada Pops 2026.

Pops 1 lleva por título: William Cepeda Puerto Rican Jazz Sinfónico, una producción de la OSPR que presenta como artista invitado al destacado trombonista y compositor William Cepeda junto a su agrupación Afro Rican Jazz, en conmemoración de sus 35 años de trayectoria. Esta propuesta fusiona el jazz puertorriqueño, géneros autóctonos y la grandeza de la música sinfónica en un formato sin precedentes en la isla.

El sábado 19 de septiembre de 2026, la Sala Sinfónica Pablo Casals del Centro de Bellas Artes de Santurce será el escenario de una noche histórica para la música puertorriqueña.

El concierto contará también con la participación de un elenco de artistas invitados especiales de calibre internacional, incluyendo a Nelie Lebrón (voz), Mariano Coto (trovador), Siete Nueve (hip hop), Edwin Colón Zayas (cuatro), Uli Gaisendoerfer (piano), Sorely Muente (danza moderna y jazz), Marian Santiago (flamenco) y Maribella Burgos (bomba), entre otros.

El programa incluirá los temas más emblemáticos del repertorio de William Cepeda Afro Rican Jazz junto a composiciones inéditas que serán estrenadas esa noche. La OSPR interpretará este repertorio a través de arreglos sinfónicos originales que integran los géneros autóctonos de Puerto Rico bomba, plena, danza, música jíbara y taína en diálogo con el jazz contemporáneo.

Lo que vas a vivir:

La potencia de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico en vivo, fusionada con jazz y percusión afrocaribeña

Artistas invitados en voz, cuatro, danza, flamenco, bomba y hip hop

Éxitos del repertorio de 35 años junto a obras inéditas en formato sinfónico

Una experiencia que honra el legado musical puertorriqueño y lo lleva a un nuevo nivel

William Cepeda Puerto Rican Jazz Sinfónico, presentado por la OSPR, no es un concierto de aniversario. Es una celebración viva de la identidad puertorriqueña, una demostración de hasta dónde puede llegar nuestra música cuando se atreve a evolucionar.

Los boletos ya están a la venta en Ticketera (www.ticketera.com) y Ticket Center (https://tcpr.com/). Para más detalles, pueden estar pendientes a las redes sociales de @orquestasinfoniadepr y @williamcepedoficial.

Saxophonist Miguel Zenón and pianist Luis Perdomo release El Arte del Bolero, Vol. 3, the anticipated third installment in their celebrated series

Saxophonist Miguel Zenón and pianist Luis Perdomo release El Arte del Bolero, Vol. 3, the anticipated third installment in their celebrated series

Out August 28, 2026 via Miel Music 

NYC Album Release Concert October 17 at The Jazz Gallery

The much-anticipated El Arte del Bolero, Volume 3, the latest installment in the ongoing duo project featuring alto saxophonist Miguel Zenón and pianist Luis Perdomo, will be released August 28, 2026 on Zenón’s Miel Music label.  The album will be available on vinyl, CD and all streaming services.

Beloved by listeners and praised by critics, Volumes 1 and 2 showcased the artists in spirited, innovative renditions of Latin repertoire. Volume 3 continues in the same vein, with Zenón and Perdomo at the top of their game and in their comfort zone. “There is a concept behind it,” Zenón says, “but the performances are very off-the-cuff and involve very few takes. We just go in and play!” 

It’s fitting that Zenón, a MacArthur Fellow, Guggenheim Fellow, and tireless global concertizer who’s released 19 albums in 25 years as a bandleader, should receive a Grammy as well. When El Arte del Bolero, Vol. 2 won in 2024 for Best Latin Jazz Album, the voters got it right; this kind of stand-and-deliver musical eloquence might be the purest form of jazz. 

Virtuoso instrumentalists and harmonic masters, Zenón and Perdomo have been playing together in the internationally acclaimed Miguel Zenón Quartet for 27 years, and they have lifelong knowledge of the popular Latin repertoire in common. The distinctive, sweet tone of Zenón’s alto saxophone, Perdomo’s remarkable touch on the piano, and the duo’s ability to follow the music wherever it goes bring these lovely songs to life with authenticity, soul, and spirit. 

What is the bolero? A style of bittersweet love song, perfect for sensual, slow dancing, that appeared in eastern Cuba in the 1880s and quickly internationalized. As Latin music became massified in the twentieth century, the bolero was central. Radio transmitted it everywhere. Mexican (and other) movies of the 30s and 40s made hemispheric singing stars out of the artists and established in popular consciousness many songs that are still being sung. 

Bolero is perhaps the most pan-Latin of genres. Across the Caribbean from each other, Zenón (in Santurce, Puerto Rico) and Perdomo (in Caracas, Venezuela) grew up with these complex harmonies, timeless melodies, and heart-rending lyrics. For them, the music is personal and meaningful. 

“We're exploring music that's very familiar to us,” Miguel says. “For both Luis and myself, it has a personal connection. It's not like I was around when these songs were first written or recorded. It's more like I remember hearing them at home through my parents or grandparents.”

With their duo, Zenón and Perdomo are reviving these durable songs and effectively assembling their own Latin American Songbook canon. “We explore it the same way that jazz folks would explore music out of the Great American Songbook,” says Zenón. Indeed, the composers of these songs were in one way or another influenced by jazz, something that is palpable in the harmonic cadences and song structures.  

How does the duo research the repertoire to choose the songs? “It's not like we have to look very far,” says Miguel. “We draw from our own experiences. I might say, ‘Oh, I remember hearing this tune at home with my mom or my dad.’ Or Luis might say, ‘Oh, there's this one tune that I really like, and there's this version by so and so. . .” It’s a personalized approach to repertoire that brings out the soul of this nostalgic music. 

The first El Arte del Bolero album was created quickly, in response to the need for a livestream concert during the pandemic. It was released as an album on January 8, 2021, with much of the world still in isolation. The Grammy Award-winning Volume 2 came out in 2023. With Volume 3, it’s officially a series. Listeners fell in love with the first two installments of this wonderful project; Volume 3 should be no different. 

Miguel Zenón is a Puerto Rican alto saxophonist, composer, bandleader, music producer and educator. He is a GRAMMY Award Winner, the recipient of a Guggenheim Fellowship, a MacArthur Fellowship, and a Doris Duke Artist Award. He also holds an Honorary Doctorate Degree in the Arts from Universidad del Sagrado Corazón. Widely considered one of the most groundbreaking and influential saxophonists and composers of his generation, Zenón has released nineteen albums and has collaborated with some of the great musicians and ensembles of his time including The SFJAZZ Collective, Charlie Haden, Fred Hersch, Kenny Werner, David Sánchez, Danilo Perez, The Mingus Big Band, and Bobby Hutcherson. As a composer, Zenón has been commissioned by NYO Jazz, Chamber Music America, Logan Center for The Arts, The Hyde Park Jazz Festival, The John Simon Guggenheim Foundation, MIT, Spektral Quartet, Miller Theater, The Hewlett Foundation, Peak Performances, PRISM Quartet, Kinetic Ensemble and many of his peers. He has given hundreds of lectures and master classes at institutions all over the world and is an Associate Professor in the Music & Theater Arts Section at the Massachusetts Institute of Technology (MIT).

Grammy Award winning pianist Luis Perdomo has released nine critically acclaimed recordings as a leader, and has appeared on over 250 recordings as a sideman. A native of Venezuela, Perdomo holds a bachelor's degree from the Manhattan School of Music and a master's degree from Queens College. He has performed and recorded with a wide variety of artists, such as Ravi Coltrane, Jerry Bergonzi, David Gilmore, Tom Harrell, Brian Lynch, Ray Barretto, Henry Threadgill, Ralph Irizarry, David Sanchez, The Cookers, George Garzone and The Vanguard Orchestra among others. A founding  member of the Miguel Zenón Quartet which has released numerous recordings, Perdomo has also collaborated with  Zenón on three duo recordings: El Arte del Bolero, which was nominated for both a Grammy and Latin Grammy in 2022; El Arte del Bolero, Vol. 2, which received a 2024 Grammy Award, and El Arte del Bolero, Vol 3. In addition to keeping a busy performing schedule, Perdomo is active as a clinician and educator. He has taught at Queens College in NYC, Berklee College of Music, The New School, and is currently an associate professor of Jazz Piano at Oberlin Conservatory.  He is also on the faculty of the “Jazz in July” summer program at UMass Amherst.